意大利歌劇的主流壹直是正統歌劇，直到格魯克在1760年代引入“創新歌劇”來對抗正統歌劇的矯揉造作。今天18世紀著名的歌劇大師顯然是莫紮特。莫紮特年輕時是以歌劇起家的，後來喜歡上了意大利語的歌劇，風靡全球，尤其是《費加羅的婚禮》、《唐璜》和《所有的女人》都是這樣。而莫的倒數第二部歌劇《魔笛》(最後壹部是《狄多國王的恩情》)是德國歌劇的指標性作品。
19世紀初，美聲風格的歌劇達到頂峰，羅西尼、多尼采蒂、貝裏尼的歌劇在當時廣受歡迎，至今仍常見於舞臺上。同時，吉亞克莫·梅耶貝爾的歌劇作品也成為法國大歌劇的典範，風靡全國。
19世紀下半葉被稱為歌劇的“黃金時代”，在這壹時期，理查·瓦格納和居塞比·威爾第是德語和意大利語的領軍人物。20世紀初，在黃金時代之後，西歐歌劇繼續演變成不同的風格，如意大利現實主義和法國當代歌劇，以及普契尼·賈科茂和理查德·施特勞斯的作品。在整個19世紀，在中東歐，尤其是俄羅斯和波希米亞，民族音樂學派的興起創造了本土和西歐歌劇作品的並行發展。
在整個20世紀，現代風格元素經常被嘗試混入歌劇，如阿諾爾德·勛伯格和阿爾班·伯格的無調性手法和12音階作曲，以伊戈爾·斯特拉文斯基為代表的新古典主義音樂以及菲利普·格拉斯和約翰·亞當斯的簡單音樂。隨著錄音技術的提高，像恩裏科·卡魯索這樣的歌手已經成為戲曲圈以外的人所熟知的名字。隨著20世紀科技的進步，戲曲也會在廣播電視上播出，為廣播媒體寫的戲曲也出現了。歌劇(Opera)，西方語言中歌劇的代表詞，來源於拉丁語“Opus”(歌劇)的復數形式，後來在意大利語中引申為其他歐洲語言。顧名思義，歌劇的本意不僅包括舞臺上的獨唱、二重唱和合唱，還包括對話、表演和舞蹈。16年底，意大利佛羅倫薩，壹群人文主義者組成了壹個名為“Camerata with Good Society”的團體，復興古希臘的舞臺表演藝術。他們認為古希臘戲劇的“合唱”部分其實就是合唱部分，甚至有人認為古希臘戲劇其實和今天的歌劇壹樣，所有的情節都是用歌曲來解釋的。因此，當已知歷史上第壹部由雅格布·佩裏作曲、取材於古希臘神話的歌劇《達芙妮》於1597年首演時，受到了眾人的稱贊，大家都認為“古希臘的戲劇精神成功復活了”。不過達芙妮最後不幸落選了，不過1600首演的另壹套佩裏的歌劇《歐瑞迪絲》還是偶爾排練壹下。但是今天，歌劇世界中擁有標準劇目的最古老的歌劇《Flo》於1607年由克勞迪奧·蒙特威爾地在曼圖亞宮首演。
歌劇的起源可以追溯到古希臘的悲劇，這種藝術形式是歌劇藝術的根源。
中世紀的壹些音樂形式也為歌劇的出現奠定了基礎。第壹，是10世紀末的宗教劇。後來被神秘和奇跡所取代，盛行於14-16世紀。其次，以音樂、詩歌、戲劇等手段表現農村生活場景的田園劇，壹直流行到16世紀，成為戲曲的重要起源之壹。
文藝復興時期的田園歌劇也預示著歌劇的誕生。作曲家用牧歌這種體裁在詩歌中寫出壹些戲劇性的場景，或者用壹組牧歌來描述壹些簡單的故事情節。後壹種形式被稱為田園歌劇。
歌劇最直接的起源是15結尾的Intermedio。這是壹些寓言劇、神劇或田園劇穿插在當時喜劇的場景之間。到了16世紀，場景之間的場間戲已經在劇情上形成了關聯的故事，並加入了裝飾性的旋律和簡單的和聲伴奏。
歌劇於16年底在意大利佛羅倫薩制作。當時，壹批文化藝術界的名人經常在貴族巴爾迪和科爾西的家裏聚會。他們熱衷於恢復古希臘戲劇，並試圖創造壹種結合詩歌和音樂的生動藝術。他們認為復調藝術破壞了歌詞意義的表達，主張使用單聲部旋律。在實踐中，他們發現在和聲伴奏下自由唱出的音調不僅可以用在同壹首詩中，也可以用在整部戲劇中。然後出現了最早的歌劇，當時叫田園劇。早期意大利歌劇的發展及其特點
佛羅倫薩歌劇院
1.1597上演的第壹部歌劇:達芙妮，由利努奇尼編劇，佩裏作曲。因為這部作品的配樂只是片段，所以人們通常在1600上演，保持完整，由利努奇尼寫劇本，佩裏和卡奇尼作曲。
2.早期歌劇的特點:劇本以希臘神話為基礎，後來加入了歷史題材。音樂部分采用通奏低音的形式，演唱部分主要采用朗誦的形式。音域不廣，節奏自由，有少量樂器伴奏，也用合唱。
羅馬歌劇
1.代表人物及作品:羅馬作曲家卡瓦勒裏(約1550-1602)，創作了《阿尼瑪的祈禱》(edi Corpo)，於1600年2月上演，奠定了羅馬歌劇的基礎。靈與肉的化身實際上被歷史學家視為清唱劇，具有歌劇的雛形，涉及宗教道德。
2.特點:註重壯觀的歌劇場景帶來的快感，並加入華麗的舞臺設計、機構布景和芭蕾舞場景，每壹幕都以合唱和舞蹈結束。
威尼斯歌劇院
1.第壹座歌劇院的建立:聖卡西諾(Saint cassiano)1637年在威尼斯建立的第壹座歌劇院，是歌劇從貴族沙龍和宮廷向市民的過渡。蒙特威爾第是1617年的指揮，寫了《胡裏斯的歸來》。
2.代表人物及作品:1607年，威尼斯歌劇作家蒙特威爾第完成了歌劇《奧Flo》的創作，歌劇的主題與列奧努奇尼的《歐律狄刻》相似。劇中，蒙特威爾第憑借其豐富的牧歌和宗教音樂創作經驗，結合16世紀音樂寶庫中各種手段的運用，使《Flo》成為歌劇史上第壹部真正意義上的歌劇。
3.特點:歌劇中大量使用詠嘆調和對唱，註重情感表達，註重美聲唱法，很少使用合唱。弦樂器家族首次占據重要地位，從而加強了音樂的表現力。使用不協和音程，撥弦，顫音和其他新的音樂表現形式。
那不勒斯歌劇院
1.向歌劇方向發展:那不勒斯是意大利歌劇發展的最後壹個城市，始於17年底，定型為18世紀的塞裏亞歌劇，影響壹直延續到19世紀。往往以虛構的歷史或英雄事跡為題材，又因為對美聲的追求，那些既有男性強大肺活量，又有女性柔和明亮音色的“太監”歌手大受歡迎。
2.代表人物及作品:那不勒斯音樂學派的代表人物阿勒曼德羅·斯卡拉蒂(1660-1725)在聲樂抒情性的基礎上創作了自由發展的詠嘆調，給美聲唱法以廣闊的施展空間。代表人物是特奧多拉。
3.特點(也是歌劇的特點):
1)在內容上，多以古代神話和歷史傳說為題材，內容嚴肅，與喜劇相對。2)在結構形式上，原來的五幕歌劇改成了緊湊的三幕結構，在幕與幕之間經常穿插喜劇性的間奏(Intremezzo，在舞臺入口處演出)。它以非常獨特的序曲(快-慢-快三聲部形式)開始，宣敘調和背靠背的詠嘆調交替進行，很少使用二重唱和合唱，也沒有舞蹈。
3)兩種不同的朗誦:壹種是幹朗誦，用於長對話或獨白，獨唱部分只用通奏低音伴奏；另壹種是帶伴奏的宣敘調，擅長表達復雜的情感，也用於戲劇緊張場面。獨奏由樂隊伴奏。
4)回首詠嘆調:此詠嘆調為阿壩三聲部曲式。作曲家通常會停止書寫再現的A段，而只在B段結尾標記da capo，意為從頭開始重復，假裝“回到開頭”，並在結尾標記Fine(意為結束)。羅馬最有影響力的是什麽？斯卡拉蒂為代表的那不勒斯歌劇流派。他寫於1681的歌劇《善與善與惡》，確立了歌劇序曲的典型模式，即“快-慢-快”三段式。同時，阿壩唱腔格式也在這壹時期確立。這時候音樂上經常使用宏大的場面和副歌，給歌劇帶來了重音樂輕戲劇的傾向。這種傾向使得以後戲曲的發展越來越僵化。因此，在18的20世紀20年代，以日常生活為題材、情節幽默、音樂簡單的Xi戲曲流派興起。意大利喜歌劇的第壹部代表作是帕格萊西的《作為家庭主婦的女仆》(首演於1733)，原本是壹部歌劇的插曲劇。1752年在巴黎上演時，遭到保守派的詆毀，從而掀起了歌劇史上著名的“喜歌劇大辯論”。盧梭創作的法國第壹部喜劇歌劇《村莊占蔔者》就是在這場辯論和這部歌劇的啟發下誕生的。
意大利歌劇首先在法國得到改造，並與法國民族文化相結合。呂黎是法國歌劇(“抒情悲劇”)的創始人。他不僅創作了與法語緊密結合的獨唱旋律，還率先將芭蕾舞場景運用到歌劇中。在英國，珀塞爾在自己的面具戲劇傳統的基礎上創作了第壹部英國民族歌劇《狄東與伊尼亞斯》。在德國和奧地利，海頓、迪特多夫、莫紮特等人將民間歌劇發展成為德奧民族歌劇，其中就有莫紮特的《魔笛》。到18世紀，格魯克堅持歌劇必須有深刻的內容，音樂和戲劇要統壹，表演要簡單自然。他的思想和作品如《奧Flo與歐律狄刻》和《奧裏德的埃菲吉尼》對後來歌劇的發展有很大影響。歌手所扮演的角色是根據他們不同的技巧、靈活性、力量和音色來分類的。男歌手從低到高可以分為男低音、男中音、男高音和男高音/男高音。女歌手從低到高分為女低音、女高音、女高音。女高音還可以細分為花腔女高音和抒情女高音。基本上男聲的音域低於所有女聲，但有些假聲男高音可以唱到中音的音域。假聲男高音唱法多見於古代寫的太監唱的角色。
按音域分類後，常加上壹些關於歌唱的形容詞，如抒情女高音、戲劇女高音、莊重女高音(soprano spinto)、花腔女高音(soprano coloratura)、女高音soubrette等。雖然這些術語不能完全描述壹個聲音，但它們往往可以將不同的聲音分類，並將其放入不同的角色中。有些歌手的聲音會突然發生很大的變化，或者在三十多歲甚至中年的時候，聲音會達到壹種成熟、出彩的狀態。女高音壹直是大多數歌劇女主角的最佳選擇。但在古典音樂時期之前，對女高音的第壹要求是聲控的技術，而不是今天要求的寬廣音域；當時女高音的最高音往往不超過高音A[21]。女中音這個詞是壹個比較新的概念，但是也有很多角色可以扮演，比如Purcell作品中的Dido，Brang &等；aumlne)[22].女低音能唱的角色往往比較少。專家們經常開玩笑說，女低音只會唱“女巫、婊子和褲子”。近年來，很多原本由女低音或太監演唱的角色都成了假聲男高音的囊中之物。
另壹方面，自古典音樂時代以來，男高音壹直是歌劇中的主角。許多最具挑戰性的男高音角色都來自美聲歌劇時期，如多尼采蒂為歌劇《軍中少女》(也譯作“La Fille Du regiment”)中的主角創作的連續九個男高音C。而瓦格納則要求他的男高音主角比壹般男高音更重，甚至讓人發明了壹個新詞“Heldentenor”來形容這類角色；意大利歌劇的角色也是，相當於瓦格納的要求，比如普契尼的《圖蘭朵》中的卡拉夫。貝斯有著悠久的歷史。在戲曲時代，它起著配角的作用，往往是壹個搞笑的角色來娛樂觀眾。貝司可以扮演的角色也很多，比如莫紮特的《唐·璜》裏的利·波雷洛，瓦格納的《尼伯龍根的指環》裏的瓦坦國王。在男高音和男低音之間，還有男中音，這個概念是19世紀中葉才出現的。著名人物如莫紮特的《女人》中的古勒莫就是這樣，還有《唐·卡羅》中的羅迪歐。